Красота женского тела как отражение исторической эпохи

Женское тело во все времена было эталоном красоты и человеческой эстетики. Природа приложила немало усилий, чтобы создать подобный шедевр. Естественно, это не осталось без внимания самой продвинутой в плане восприятия части человечества — людей, наделенных художественным даром. Формы изображения женского тела со временем претерпели огромное количество трансформаций. В течение многих столетий лучшие мировые художники создавали прекрасные образы женщин, которые впоследствии стали культовыми в нашей культуре. Существует огромное количество выдающихся работ, посвященных этой тематике и заслуживающих пристального внимания зрителей. И все же к числу самых известных произведений искусства, воспевающих красоту женского тела, редакция журнала OFF отнесла следующие.

Амедео Модильяни, «Прекрасная римлянка» (1917)

Сегодня Амедео Модильяни занимает лидирующие позиции среди самых дорогих художников в мире. А при жизни ему не удалось снискать славы, он жил и умер в нищете. Его первая и единственная выставка не только не была успешной — она стала причиной скандала, в результате которого по требованию полиции выставка была закрыта. Что могло поразить и возмутить искушенных французов в его картинах? Значительную часть художественного наследия Амедео Модильяни составляют картины в жанре ню. Скандальная серия, включающая около тридцати работ, была создана по заказу Леопольда Зборовски в 1916–1917 годах. Невероятно тонкое и чувственное изображение обнаженной натуры было далеким от вульгарности, тем не менее вызвало возмущенную реакцию публики. Ни одна картина тогда не была продана.

Выставка была организована в Париже в галерее Берты Вайль в 1917 году. Для привлечения внимания публики несколько работ вывесили на витрину. Не учли только одного важного момента: галерея находилась напротив полицейского участка. Комиссар тут же вызвал Берту Вайль. Несколько полотен конфисковали «за покушение на нравственность». Выставка была закрыта через несколько часов.

Красота обнаженных на полотнах художника действительно имеет иную природу: они словно светятся изнутри. Теплая световая гамма и своеобразная техника словно оживляют работы, это не абстрактные образы. Только после смерти художника «неприличную» и «аморальную» серию картин в жанре ню оценят по достоинству. «Прекрасная римлянка» была продана на аукционе Sotheby's в 2010 году за 68,96 млн долларов.

Фредерик Лейтон, «Пылающий июнь» (1895)

Как и большинство англичан XIX века, Фредерик Лейтон считал, что красивое искусство должно показывать красивые вещи. На практике это убеждение воплощалось в скульптурных изображениях роскошно одетых женщин, сидящих на мраморных тронах в южных землях.

В зрелом возрасте, за год до своей смерти, Фредерик создает полотно «Пылающий июнь» (1895 г.). Этот шедевр считается одним из самых известных и важных произведений Лейтона. Совершенная расслабленность, незащищенность красивой девушки во сне, гибкость и упругость молодого тела приковывают взгляд, который уже невозможно отвести. Правдоподобная натуральность тонкого шелка яркого, сочного апельсинового цвета, нежным, эфирным водопадом струящегося по формам, добавляет некоей таинственности, заставляет вглядываться и угадывать красоту естественности.

С распространением модернизма в первой половине XX века другие художественные движения вытеснили академизм. И хотя «Пылающим июнем» восхищались в период с 1915 по 1928 годы, когда полотно висело в Музее Эшмола в Оксфорде, позже оно исчезло из поля зрения ценителей искусства. Более 30 лет холст был спрятан за панелью над старой дымовой трубой в одном из домов Южного Лондона и был найден лишь по счастливой случайности в 1962 году. Год спустя его купил Луис А. Ферре, будущий губернатор Пуэрто-Рико, который тогда начал приобретать произведения для Музея искусств Понсе. По сей день «Пылающий июнь» остаётся гордостью и центром его коллекции.

Густав Климт, «Даная» (1908)

«Даная» — картина знаменитого австрийского художника Густава Климта, своеобразная интерпретация известного древнегреческого мифа. Зевс был пленен красотой девушки, заключенной в темнице, и явился к ней в виде золотого дождя. Считается, что на произведении изображен момент зачатия. Мы видим, как капли дождя сливаются с телом Данаи. Искажение пропорций, поза героини, словно находящейся в тесном пространстве, ее выражение лица — все это придает изображению еще больше сексуальности. Элементы орнамента, золотистые оттенки сглаживают впечатление, делая работу эротичной, но не пошлой.

В конце 90-х гг. ХIХ века начинается «золотой период» в творчестве мастера. Путешествуя по Италии, Густав Климт посещал соборы и церкви. Там его восхитила роскошная мозаика, автор оценил декоративную привлекательность золота. В этот период и была написана «Даная». Согласно древнегреческому мифу, царь Акрисий получил страшное предсказание: его собственный внук станет причиной его смерти. Тогда он заключил свою дочь в темницу, чтобы ни один мужчина не смог до нее добраться. Конечно, это не могло стать преградой для могущественного Зевса. Критики в свое время не особо лестно отзывались о «Данае» и других работах автора. На него сыпалось множество язвительных замечаний, в том числе о безнравственности картин. Тем не менее Густав Климт всю свою жизнь был любимцем публики.

Эдуард Мане, «Олимпия» (1863)

«Олимпия» — картина Эдуарда Мане, написанная в 1863 году. Произведение, на котором автор отразил всю глубину чувств оскорблённой мужским невниманием куртизанки, считают переходным этапом художника к импрессионизму.

Эдуард Мане, французский импрессионист XIX века, в картине «Олимпия» отступил от общепринятых канонов изображать обнажёнными только мифологических героинь. Он написал портрет современницы. Художник использовал новый метод, отказавшись от послойного наложения красок, тщательной прорисовки фона, все усилия бросив на фигуру куртизанки. До нашего времени сохранилось несколько предварительных эскизов сангиной и акварелью, по которым можно судить, как тщательно живописец продумал положение тела.

На Парижском художественном салоне 1865 года произведение Эдуарда Мане вызвало бурю негодования. Оно вошло в число самых скандальных образцов жанра ню. Современники признали картину плоской, унижение героини до проститутки — цинизмом и оскорблением нравственности.

Посетители плевались, тыкали в работу мастера палками. Организаторы выставки приставили к ней охрану, но это мало помогло. Тогда картину задвинули в самый дальний угол, подняв на такую высоту, где уже невозможно было ни достать её, ни рассмотреть.

Четверть века «Олимпия» хранилась в мастерской автора, недоступная для зрителей. Лишь в 1889 году, в честь столетия Французской революции, она снова появилась на выставке, сразу понравившись коллекционеру из США. Друзья почившего художника, чтобы шедевр не уплыл в Америку, собрали деньги и выкупили его у вдовы, преподнеся в дар государству. Картина «Олимпия» Эдуарда Мане долгое время оставалась забытой. Власти живописное наследие не оценили, и вплоть до 1947 года работа кочевала по запасникам, пока не заняла своё место в музее импрессионизма. Сейчас она стоит в ряду известнейших произведений этого жанра.

Тамара де Лемпицка, «Портрет Марджори Ферри» (1932)

Лемпицка, прославившаяся как светская львица, в начале 1930-х годов находилась на пике славы. После короткой поездки в Нью-Йорк в конце 1929 — начале 1930 года Лемпицка стала первым портретистом, востребованным как среди состоятельных европейцев, так и среди американцев, следивших за модернизмом, доминирующим в международном послевоенном искусстве.

С конца 1920-х годов Лемпицка писала в своём фирменном высоком классическом стиле, который проявляется во всех аспектах этого смело задуманного «Портрета Марджори Ферри». Обстановка на нём, скорее всего, воображаемая, как если бы это были декорации к фильму о Древней Греции. В концепции Лемпицки полированная изогнутая каменная балюстрада и четыре восходящие колонны подхватывают её модель и возносят на высоту Олимпа, откуда Марджори Ферри взирает на мир. Решение художницы обрезать макушку натурщицы — кинематографический ход, но смелый и нечастый приём в портретной живописи; таким образом зритель воспринимает женщину более высокой. Тщательность, с которой Лемпицка выполнила драпировку, также является прямой отсылкой к древнегреческой классике.

Лемпицка написала Марджори Ферри на переломном этапе своей карьеры, на фоне событий, произошедших тремя годами ранее. В октябре 1929 года, через девять дней после её прибытия в Нью-Йорк, рухнул фондовый рынок Уолл-стрит. Разорился и закрылся банк, куда художница внесла значительную сумму. Спасли её заказы, которые Лемпицки получала благодаря своей деловой хватке (она утверждала, что к 28 годам стала миллионером). Художница умела «приземляться на ноги» в ситуациях, которые могли быть губительными для её коллег.

По общему мнению, 1932 год стал исключительным для карьеры Лемпицки. По мере углубления депрессии она фактически получала выгоду от тех, кто потерял больше всего денег, но хотел показать, что не боится экономических потрясений. Возможно, протекцию Тамаре в написании «Портрета Марджори Ферри» оказала Сьюзи Солидор — новая любовница художницы и певица из клуба. Автор включила эту работу в персональную выставку, которую открыла 10 мая в своей студии на улице Мешен, а через две недели отправила её в Салон Тюильри. В октябре того же года полотно было представлено в Galerie Fauvety на групповом показе, включавшем работы Пикассо.

В 2020 году «Портрет Марджори Ферри» стал самым дорогим произведением в творчестве Тамары де Лемпицки. На аукционе Christie’s 5 февраля он был продан за 16,3 миллиона фунтов стерлингов (21,2 миллиона долларов США).

Юрий Анненков, «Портрет танцовщицы Е.Б. Анненковой» (1917)

Юрия Анненкова нельзя безоговорочно причислить к кругу русских футуристов: по своим художественным пристрастиям он тяготел к утонченной эстетике позднего «Мира искусства». Тем не менее в своих произведениях — как графических, так и живописных — он был явно увлечен возможностями заострения формы, характерными для «левых» направлений. Неслучайно один из критиков назвал его искусство «каллиграфическим экспрессионизмом». К числу типичных работ художника середины 1910-х годов относится и портрет его первой жены Елены Борисовны Анненковой, урожденной Гальпериной, танцовщицы-босоножки, ученицы Айседоры Дункан, актрисы театров «Летучая мышь» и «Кривое зеркало». Экстравагантный и несколько шокирующий облик молодой женщины подсказал Анненкову решение портрета, в котором композиционной выразительности вторит лаконизм пластики и колорита.

Работая для театра Н.Н. Евреинова на спектакле Homo sapiens, Анненков познакомился с танцовщицей-босоножкой Еленой Гальпериной, последовательницей балетной системы Айседоры Дункан, открывшей в России свои танцевальные классы. В этом портрете художник стремится запечатлеть на холсте мгновение движения, ввести в изобразительное искусство четвертое измерение — время. Остро ломающаяся линия великолепно передает характер балерины, ритмический рисунок ее танца. Порывистость и одновременно томность заключены в четком черном контуре и пастельной гамме цветов. Разнонаправленные плоскости, подобные кускам разбитых зеркал, словно призваны напомнить, что Гальперина-Анненкова была актрисой театра Евреинова «Кривое зеркало».